Berserk Theatre es una compañía de teatro sáfico que amplía el espectro de la narrativa queer en Londres y Edimburgo. Fundada por Zofia Zerphy (ella) y Rhiannon Bell (ellos/ella), ambas se adentran en el mundo del teatro equilibrando la creatividad con la sustentabilidad financiera, los desafíos de dirigir una compañía de teatro queer, así como la inspiración y la responsabilidad que conlleva la narrativa queer. Además, ofrecen perspectivas únicas sobre el financiamiento, la contratación de mujeres en puestos clave del equipo de producción y la planificación de inversiones futuras.

La conversación con Zofia y Rhi también ofrece detalles sobre su próxima producción, *Spin Cycle*, que lleva adelante esa energía con una historia centrada en Kitt y Noel, una relación llena de pasión, tensión emocional y el rechazo a reducir la vida sáfica a un estereotipo.

Descrita como una mezcla entre «Brillante mente» y «The L Word», aquí puedes conseguir entradas para la obra «Spin Cycle: The Lesbian Launderette Play», que se presentará en Londres los días²⁵ y²⁶ de julio en The Glitch, en Waterloo. La temporada completa de «Spin Cycle» se llevará a cabo en Edimburgo del⁵ al³¹ de agosto en el Underbelly; consigue tus entradas aquí.

Puedes apoyarlas en TikTok e Instagram, y invitarlas a un café aquí para sumar tu voz a su trabajo. Disfruta de la conversación con dos líderes sáficas de la industria teatral

¿Qué experiencias te inspiraron inicialmente a crear el Berserk Theatre y por qué fue importante para ti crear una compañía o producción teatral sáfica? 

Zofia: Crecí en el teatro queer. Vi y participé en innumerables obras de Shakespeare con cambios de género, desde una producción casi totalmente femenina de «Mucho ruido y pocas nueces» hasta interpretar a Oberón en «El sueño de una noche de verano». En ese entonces no pensábamos que estuviéramos haciendo algo particularmente revolucionario; era sencillo: si había un papel masculino y no había un chico para interpretarlo, entonces lo interpretaba una chica. No buscábamos hacer que las producciones fueran explícitamente queer, pero, en el fondo, eso era lo que pasaba, porque todas y cada una de esas obras terminaban con dos chicas enamoradas. Fue a partir de ahí que me di cuenta de que las historias no tienen que tratar sobre ser queer para ser queer. Este es el tipo de historias que espero contar con Berserk Theatre, porque, para mí, la representación consiste en ver personajes queer que puedan formar parte de cualquier tipo de historia.

¡Ya se acerca «Spin Cycle»! Sin revelar demasiado, ¿qué crees que es lo que más le va a gustar a la comunidad sáfica de esta producción?

Rhi: Creo que a las fans de la literatura sáfica les va a encantar lo picante y gay que es la obra; la química entre Kitt y Noel puede ponerse un poco candente. Pero hablando en serio, esperamos que la gente disfrute de ver representada en el escenario una relación como la de ellos, que no se basa en estereotipos.

¿Hay algún tema o experiencia emocional que te haya interesado especialmente explorar en *SpinCycle*o tal vez en una producción futura? 

Rhi: «Spin Cycle» refleja las experiencias vividas por todo el equipo creativo. Da la sensación de que hay un pedacito de cada uno de nosotros en el proyecto. En general, la producción explora la naturaleza cíclica de las relaciones y cómo el pasado influye en nuestro futuro. Personalmente, quería explorar la “represión emocional” dentro de las identidades butch, masc y trans masc, y yo misma he luchado con el hecho de “guardarme las cosas para mí” en el pasado. Noel, en “Spin Cycle”, es sin duda una proyección dramatizada de mis experiencias personales.

¿Hay historias sobre la vida sáfica que, en tu opinión, sigan estando poco representadas o sean ignoradas en los espacios teatrales?

AMBAS: Las historias sáficas suelen estar subrepresentadas y pasar desapercibidas en todos los ámbitos del entretenimiento: teatro, cine y televisión. A menudo se ve que las series con temática sáfica se cancelan después de unas pocas temporadas (como «I Kissed a Girl») o ni siquiera llegan a producirse.

En cuanto a las historias, definitivamente creo que el tema de «la historia de la salida del clóset» ya está muy trillado. Son un gran consuelo para quienes recién están descubriendo su identidad sáfica, ¡pero prefiero historias sobre personas queer seguras de sí mismas que ya han salido del clóset desde hace años! 

Vamos al grano. Crear una compañía de teatro y montar una producción es una tarea titánica. ¡Felicidades por lo que has logrado hasta ahora! ¿Qué es lo que más te ha sorprendido de dirigir una compañía de teatro independiente y qué habilidades o responsabilidades «invisibles» tuviste que aprender rápidamente y que no esperabas?

Zofia: La escuela de teatro te enseña a actuar y, tal vez, si tienes suerte, te enseñará a crear tu propio trabajo. Pero, ¿qué haces una vez que ya lo has creado y quieres que la gente lo vea? Excelente pregunta; para eso están los productores o, si no puedes contratar a uno, lo resuelves por tu cuenta. Hay tanto que aprender, desde contratos hasta presupuestos, pasando por los kits de prensa y la configuración de un Qlab… Cuando empiezas una compañía sin dinero, lo aprendes todo sobre la marcha. Mi mejor consejo es pedir ayuda cuando la necesites y estar dispuesto a fracasar.

¿Cuánto tiempo dedicas a la administración, la búsqueda de financiamiento, la logística y la supervivencia, en comparación con el trabajo creativo propiamente dicho? ¿Cómo logras equilibrar mantener la pasión y divertirte con esas responsabilidades operativas como pequeña empresa?

Zofia: Esta no es la respuesta que quiero dar, pero la realidad es que la mayor parte del tiempo se dedica a todo lo que no sea trabajo creativo. Como te dirá cualquier creativo, la industria está pasando por un momento increíblemente difícil y, según mi experiencia, no siempre es la pasión lo que te mantiene en marcha, sino la perseverancia. Las contradicciones que conlleva ser creativo y vivir en una sociedad capitalista pueden resultar completamente abrumadoras. De verdad creo que el arte es expresión, y que la razón fundamental para dedicarse al arte es el placer y la exploración. Pero, al mismo tiempo, vivo en una de las ciudades más caras del mundo, así que tengo que trabajar en algo que no tiene nada que ver con mi arte, porque no obtengo ninguna ganancia de él. Aunque, idealmente, el arte no debería tener como fin la ganancia. Pero, si tengo que obtener ganancias de algo, entonces quiero que sea de mi arte, para que al menos pueda dedicar mi tiempo a hacer algo que realmente disfruto. ¿Debería simplemente dejarlo todo, mudarme a una cabaña remota y vivir de la tierra? Estos son los pensamientos que dan vueltas y vueltas en mi cabeza a las 2 de la madrugada. Al final, como en cualquier relación, hay que esforzarse y decidir comprometerse a ser artista todos los días. Contar con un equipo sólido en el que confíes también es esencial; yo no podría hacerlo sin el mío.

Las producciones se sostienen gracias a tantos roles especializados —desde los escenógrafos hasta los directores de escena y los ingenieros de audio e iluminación— que el público rara vez se da cuenta de su importancia. ¿Qué tan importante es para ti encontrar talento que se identifique como mujer para estos roles? ¿Hay alguien a quien te gustaría destacar específicamente?

Ambos: El equipo de apoyo técnico es, sin duda, los héroes olvidados de la industria teatral. Un buen diseño de iluminación y sonido puede potenciar la narración de manera exponencial. Damos prioridad a trabajar con talento que se identifique como queer o mujer, pero no es un requisito. Si crees en el trabajo y en la historia que intentamos contar, entonces bienvenido al equipo. 

A veces parece que se espera que las organizaciones artísticas queer sobrevivan solo a base de pasión y arcoíris. ¿Qué tan difícil fue conseguir financiamiento para una producción centrada en la temática sáfica en comparación con obras más convencionales? ¿Cuál ha sido la lección más importante que has aprendido al buscar financiamiento?

Rhi: Definitivamente sobrevivimos sobre todo gracias a la pasión y… ¿quizás no a los arcoíris? Probablemente a la audacia. Sí, definitivamente es la audacia para seguir adelante. Conseguir financiamiento para cualquier tipo de proyecto creativo es abrumador y muy, muy difícil. Lo único que parece funcionar es presentar solicitudes, presentar solicitudes, volver a presentar solicitudes y postularse a todas y cada una de las oportunidades de financiamiento. Para el financiamiento colectivo, acércate personalmente a cualquiera que haya mostrado interés en tu trabajo en el pasado, especialmente a quienes están fuera de la industria, porque la gente del teatro por lo general no tiene dinero para donar.

Tenemos mucha suerte de contar con el respaldo de Culture Ireland como parte de su iniciativa «Edinburgh Showcase»; sin su apoyo, no estaríamos en la situación en la que nos encontramos ahora. Aunque seguimos bajo presión, la situación es mucho menos difícil de lo que sería sin esa financiación.

Te está yendo de maravilla en las redes sociales. ¿Qué tan importantes son las redes sociales a la hora de crear un vínculo con tu público antes de que pongan un pie en el teatro?

Rhi: Las redes sociales son una herramienta que aún estamos aprendiendo a manejar. Sin duda han ampliado nuestro alcance de manera espectacular, pero seguimos luchando contra el algoritmo para que destaque el contenido sobre teatro por encima del contenido «con el que la gente se identifica», que no tiene nada que ver con nuestro trabajo. Estamos muy contentos de estar construyendo una base de seguidores constante con contenido divertido, y esperamos que, con el tiempo, llegue a los amantes del teatro queer y a sus aliados.

La comunidad es una parte muy importante de la vida teatral. ¿Quiénes han sido los principales aliados o patrocinadores de Berserk Theatre hasta ahora? ¿Han contado con mentores o asesores que los hayan ayudado a guiar el crecimiento de la compañía? 

Ambos: Conectarnos con la comunidad es nuestro principal objetivo en Berserk Theatre. Queremos que la gente se sienta representada y se identifique con las historias que contamos, ya sea una obra completa o un sketch en TikTok. Nuestros seguidores son todos aquellos que han visto el espectáculo (en cualquier etapa), han asistido a uno de nuestros eventos o han compartido nuestro contenido en sus redes sociales. Un pequeño gesto puede significar mucho para apoyar a los artistas: compartir algo en Instagram puede marcar una gran diferencia en la venta de boletos. 

Un agradecimiento especial a quienes más nos han apoyado: Jodie Adams (programadora principal de Underbelly), quien ha respaldado el espectáculo desde que lo seleccionó para la primera noche de prototipos de Underbelly y siempre ha estado dispuesta a darnos consejos. A Bethan Jenkins, nuestra directora, por su fe en el proyecto, su espíritu juguetón y su actitud positiva que nos mantienen en marcha, y por su disposición a meterse de lleno en la creación de mercadillo y arte, además de ser nuestra directora. Y a Jasmine Clark, la pareja de Bethan, a quien nos arrastramos con nosotros y nunca se queja. ¡Incluso organizaron nuestra Noche de Micrófono Abierto!

Innovar a menudo significa ir por tu cuenta; ¿alguna vez has tenido momentos de duda y cómo lograste acallarla para mantenerte enfocado en tus metas artísticas?

Ambos: ¡Tenemos momentos de duda todo el tiempo! ¿Estamos contando la historia correcta? ¿La gente querrá verla? ¿Es el momento adecuado para ir al Fringe? 

La confianza de los creativos siempre tiene sus altibajos. A veces te sientes en la cima del mundo y, al minuto siguiente, te estrellas contra la realidad, pero tenemos que confiar en el proceso. Nos sentimos muy afortunados de haber recibido reconocimiento por nuestro trabajo a lo largo del camino e incluso de haber ganado un OFFIE, pero, en última instancia, teníamos fe en nuestro trabajo antes de recibir cualquier reconocimiento, y eso es lo que nos ha llevado hasta aquí.

¿Tienes alguna experiencia que te gustaría compartir con los creativos queer emergentes que buscan equilibrar la sostenibilidad financiera con su visión artística?

Zofia: Trata de ser lo más realista posible con lo que quieres producir. Mi primer espectáculo en el Fringe contó con un equipo de cinco personas y un ataúd de tamaño real; no era precisamente lo ideal para tratar de coordinar cinco horarios diferentes y convertir un Uber en un coche fúnebre cada vez que necesitábamos transportar los accesorios. En nuestro trabajo actual, tomamos más en cuenta lo que funcionará con un presupuesto reducido y un plazo limitado. Por supuesto, esto no significa que no debas soñar en grande, solo significa que tienes que decidir cuáles son tus prioridades y establecer metas y expectativas realistas para ti y tu equipo. Por ejemplo, si vas a priorizar pagarte a ti mismo, entonces tal vez tengas que trabajar con un presupuesto muy ajustado para el vestuario, así que quizá sea mejor evitar una obra de época.

¿Cuál es el próximo gran objetivo de Berserk Theatre? ¿Y cómo imaginas la evolución ideal de la compañía estatal en los próximos 3 a 5 años? 

Lo que nos encantaría lograr para Berserk en un plazo de 3 a 5 años: 

• Contar con un espacio propio para llevar a cabo proyectos y eventos
• Siempre podamos pagar a los creativos al menos las tarifas mínimas de Equity (incluidos nosotros mismos)
• Organizar talleres comunitarios 
• ¡Para que sea nuestro trabajo de tiempo completo!

¿Tienes algún plan de inversión para el futuro? ¿Y qué es lo más importante para ti a la hora de buscar socios?

Es una pregunta difícil de responder porque, en realidad, no lo sabemos. Vamos aprendiendo sobre la marcha, ya que la industria cambia constantemente. Los caminos para los proyectos creativos nunca son «iguales para todos».

Cuando terminamos un proyecto o evento, nos proponemos “subir de nivel” la próxima vez que lo hagamos: vender más boletos, conseguir un lugar más grande, aumentar la calidad de la producción, etc. Así que tal vez sepamos más después del Fringe de Edimburgo. Si hay alguien que esté buscando colaboraciones o que quiera invertir en un proyecto o en Berserk, siempre es bienvenido a enviarnos un correo electrónico o un mensaje a Berserk Theatre en las redes sociales.

La negativa de Zofia y Rhi a esperar a que se les dé permiso, su compromiso de contar historias sáficas con matices y su convicción de que nuestras historias merecen no solo un momento, sino un lugar permanente en el panorama cultural, son las razones por las que merecen el apoyo de las comunidades sáficas de todo el mundo.

No te pierdas «Spin Cycle» en Londres los días²⁵ y²⁶ de julio en The Glitch, en Waterloo, aquí. La temporada completa de «Spin Cycle» se presentará en Edimburgo del⁵ al³¹ de agosto en el Underbelly, aquí.

Puedes apoyarlos en TikTok e Instagram, y invitarlos a un café aquí para sumar tu voz a su trabajo.